Gamify, la red social que quiere convertir tu vida en un juego

Ana Delgado. Periodista

27/09/2015 – 

MADRID. Gamify es una solución de millennials para millennials. Nacen con ambición de convertirse en la primera red social que aplica mecánicas de juego a base de retos y logros que incentiven a los jóvenes a salir a la calle y a superarse.

“No es que nuestra solución satisfaga una necesidad como tal pero sí que buscamos otra forma de comunicación entre los jóvenes que les obligue a salir a la calle, a relacionarse más y a motivarles para conseguir lo que se proponen, aunque lo hagan en plan lúdico”.

Carlos Hernández (21 años), encargado de tecnología y análisis de datos, Ivo Vilches (21 años), responsable de diseño y comunicación y Sean Hardcastle (20 años), CEO y encargado de marketing, son los integrantes de esta startup que dice hallarse en fase de pre-speed. A Sean le toca hacer el papel de “poli malo”, por eso sus compañeros se refieren a él como el feo, pero aunque sonría sostiene que “hay cosas que se deben tomar en serio”.

Tan en serio se ha tomado el proyecto que ha dejado la carrera de ingeniería de software para empezar la de Administración y Dirección de Empresas “porque era uno de los perfiles que nos faltaban para equilibrar el equipo”. También en el camino se han ido cayendo alguno de los integrantes iniciales por falta de entusiasmo y ganas de trabajar en el proyecto, que no se reduce todo a la excelencia. “He intentado forjar el mejor equipo, con gente que muestre un verdadero interés en lo que hace, buscando ser los mejores”.

Proyecto muy “pivotable”

Y eso que el eslogan es “convierte tu vida en un juego”. El objetivo de la gamificación es hacer el entorno de aplicación más atractivo. Sus comisionados hablan también de la capacidad de favorecer una predisposición psicológica a participar en propuestas, a alcanzar objetivos, a sumar logros y a empatizar. Se aplica en el ámbito de la educación, en el de la empresa, en eventos…por eso saben que su idea es “muy pivotable aunque el foco, ahora, lo tengamos puesto en un único objetivo: convertirnos en una red social para millennials. Sabemos de primera mano que nuestra generación necesita nuevas formas de expresarse y no teníamos ningún lugar donde compartir las cosas épicas que hacemos…hasta ahora”.

Por cosas épicas entienden desde saltar en paracaídas hasta aprobar un curso o el carnet de conducir. Hasta 1.500 retos tienen ya diseñados, más de la mitad concebidos por los usuarios que les han ido siguiendo en la progresión del proyecto que iniciaron hace un año. Muchos de ellos ya conocían a Sean de su época de youtuber, cuando con 16 años se inició comovideobloguer hablando de temas de su interés llegando a sumar 25.000 seguidores. Con ellos hizo su primera prueba. “Planteando uno de mis vídeos, se me ocurrió hacer logros como los de PlayStation o Xbox en la vida real. La idea me pareció tan buena, y el vídeo fue tan divertido, que empecé a tomármelo como una forma de vida. Y era tan contagioso que cierto amigo mío se recorrió todos los restaurantes Taco Bell de España en un solo día. ¡Eso sí que es un logro!”

Apoyo de los influyentes youtubers

Su trayectoria en las redes y la experiencia en el entorno online, les servirá para que algunos de sus seguidores, los early adopters, colaboren en la campaña de lanzamiento de la app. Cuando esto suceda, “antes de Navidad”, aseguran, influencers en youtube como Thous,Tiparraco o Elyas360, marcarán la nota de entrada a todos sus seguidores para iniciar la sintonía que les reportará, según sus cálculos, “medio millón de impresiones con una elevada tasa de conversión en pocos días”.

El Campus Madrid de Google les sirvió como experimento para validar la solución el pasado 10 de septiembre. Utilizaron Gamify para animar una fiesta que les procuró “mucho feedback que estamos utilizando para implementar y hacer más sólido el producto de cara al lanzamiento”.

La publicidad que ellos quieren

“El objetivo es hacer ruido”, dice Sean, y ganar el máximo número de registros posibles para empezar a negociar con las marcas en sus campañas publicitarias. Esta es la principal vía de ingresos que contemplan apoyándose en el argumento de que “la publicidad en las redes sociales no funciona con nuestro target (personas de entre 25 y 34 años). Nadie pincha en los anuncios y además les resultan molestos e invasivos. Sin embargo, paradójicamente, 3/4 partes de los usuarios de las redes sociales siguen de manera voluntaria a determinadas marcas para informarse de promociones o nuevos productos”.

Conjugar estas dos tendencias para lanzar a los jóvenes campañas publicitarias que les resulten amigables es uno de los grandes aciertos de esta startup. La propuesta consiste en invitar a las marcas a que sean ellas mismas las que reten a los consumidores a través de Gamify. “Los que desbloquean un reto saben en todo momento que es un espacio patrocinado pero entran de manera voluntaria a cambio de alguna recompensa o simplemente a jugar, sin desconfianza”.  La táctica no es nueva, ya se hace a través de las redes más populares, “pero el problema es que no son las adecuadas y nosotros queremos canalizar todas en gamify. Cada día se publican en twitter unos 30.000 logros, pero en cuatro segundos desaparecen. Nuestra aplicación alarga la vida de esos logros que quedan recogidos en el perfil de los usuarios pudiendo mostrarlos a quien quieran y cuando quieran”.

La idea de hacerse simpáticos a los consumidores millennials gustó a la prestigiosa marca relojera TAG Heuer que les premió en la final del Startup Programme por el nuevo concepto publicitario.

Estos son algunos de los logros que expondrán a los inversores con los que desean contactar “para crecer lo más rápido posible tras el lanzamiento”. Algún encuentro tienen ya concertado pero no se atreven a adelantar nombres para no espantarlos. La cantidad estimada que necesitarían para el primer año de rodaje es de 150.000 € pero estarían “abiertos a compartir con cualquier persona interesada en invertir en Gamify”.

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Hootsuite lanza Podium, programa educativo con cursos gratuitos sobre Social Media Marketing

Hootsuite lanzó Podium, un programa educativo online y gratuito que tiene como objetivo ayudar a los usuarios a desarrollar habilidades digitales relacionadas con el marketing en medios sociales.

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La propuesta inicial de este programa es de 6 cursos online y gratuitos:

Cada uno de los cursos está compuesto por una serie de videos cortos, diferentes actividades, textos y material descargable.

Entre los contenidos que propone el programa veremos cómo crear un estrategia de Social Media, cómo optimizar el perfil de nuestra empresa en los diferentes medios sociales, cómo crear una comunidad online, marketing de contenido, entre otros temas.

Para participar solo es necesario utilizar nuestra cuenta de Hootsuite  y escoger el curso que nos interesa. No es requisito respetar un periodo de tiempo, sino que podemos tomar los cursos a nuestro propio ritmo, en el momento que deseemos.

Y para aquellos que deseen obtener una certificado por los conocimientos que van adquiriendo, pueden ver las opciones que ofrece Hootsuite para ello, que abrirá las puertas para otros beneficios dentro de la plataforma.

¿Quiénes son los CEO mejores pagos de la industria tecnológica?

Satya Nadella, de Microsoft, lidera la lista con 84 millones de dólares reunidos durante 2014, según un relevamiento de The New York Times. El podio lo completaron Nick Woodman, de GoPro; y Larry Ellison, de Oracle.

EL MEJOR PAGO. Satya Nadella, de Microsoft.

EL MEJOR PAGO. Satya Nadella, de Microsoft.

Los CEO se han convertido en parte fundamental de las empresas de tecnología. No sólo ocupan un rol directivo, sino que también son la cara de las compañías y hasta anuncian las novedades en multitudinarios eventos que concentran la expectativa global.

El New York Times creó una tabla interactiva con los salarios de 2014 para todos los CEO de EE.UU., que puede filtrarse según la industria en la que trabajan. La lista la encabeza Satya Nadella, mandamás de Microsoft, con 84 millones de dólares. El ejecutivo no tuvo una tarea fácil: tuvo que reemplazar al histriónico Steve Ballmer con la tarea de enfocar la compañía hacia los nuevas tendencias. Windows 10, que próximamente tendrá su versión móvil; y Hololens, que adelanta el futuro de la computación holográfica, son algunos de sus hitos.

El segundo lugar fue para Nicholas Woodman, de GoPro, que acumuló 77,4 millones de dólares durante el año pasado; seguido por Lawrence Ellison, consejero delegado de Oracle, con US$ 67,7 millones  y conocido por sus compras extravagantes, una isla y dos jets militares. La cuarta ubicación fue para Steven M. Mollenkopf (US$ 60,7 millones), que tuvo un 2015 complicado debido al sobrecalentamiento de los chips Snapdragon 810, pero que espera revertir en 2016 con el lanzamiento del 820.

La primera mujer aparece en el quinto puesto: Marissa A. Mayer, de Yahoo!, consiguió 42,1 millones de dólares en 2014, quien está trabajando duramente para que la empresa gane protagonismo, con la compra de algunas empresas y la participación en móviles.  La quinta ubicación fue para Marc R. Benioff, de SalesForce, que acumuló 39,9 millones en 2014.

La lista continúa con Zachary Nelson, de Netsuite (US$ 31,6 millones); Ari Bousbib, de IMS Health (US$ 25,7 millones); Thomas B. Barker, de West (US$ 24,6 millones); Michael Saylor, de MicroStrategy (US$ 24,1 millones); Randall Stephenson, de AT&T (US$ 20,8 millones); Margaret Whitman, de HP (US$ 19,6 millones); John J. Legere, de T-Mobile US (US$ 18,6 millones); Lowell C. MacAdam, de Verizon Communications (US$ 18,2 millones); y Virginia Rometty, de IBM (US$ 17,9%).

Food Chocolate Design, recetas y diseño para alimentar los sentidos

Food Chocolate Design es un proyecto que no solo habla de comida; habla del sabor que tiene la tipografía, de cómo se emplata una ilustración y de la calidad de los productos y personas de origen italiano.

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Aunque el tema principal de Food Chocolate Design es el chocolate, éste sirve de excusa para tratar temas relacionados con la cocina y el diseño. En esta publicación han colaborado dieciséis diseñadores, ocho bloggers de cocina y ocho artesanos de productos alimenticios con una visión de su profesión enfocada al diseño.

«La innovación deriva de un proceso colectivo que, por un lado, está conectado con el lugar, con las personas y con el intercambio, y por el otro, está relacionado con la tecnología, la cual suele resultar muy útil tanto para las personas como para el medio ambiente».

Con esta premisa desarrollaron Food Chocolate Design, persiguiendo el objetivo de crear un libro que fuera mucho más allá del simple recopilatorio de recetas. Por ello, el contenido del libro no podría ser otro: una mezcla de recetas de cocina italianas, ilustraciones y tipografía.

Cada receta de cocina, además de contar con productos artesanales como chocolate, queso, pasta, café, arroz, vino…, tiene asociada a su plato ilustraciones inspiradas en el mismo. El resultado ha sido un auténtico viaje a través de los sentidos y una demostración de cómo el mundo de laalimentación y del diseño gráfico pueden ser grandes herramientas de expresión sensorial.

Ya solo con ver la encuadernación de Food Chocolate Design, es visible la intención de realizar una pieza que abogue por lo natural, lo auténtico y por el estímulo de los sentidos: la portada con textura y color tierra, la tipografía plasmada en golpe en seco sin recurrir a la tinta, la encuadernación de lomo descubierto e hilos de colores y una faja llena de color y movimiento.

El libro está compuesto por dieciséis recetas, treinta y dos ilustraciones y un abecedario diseñado exclusivamente para la ocasión.

www.foodchocolatedesign.it

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10 claves que le convertirán en el social media manager perfecto

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Kryptonite Digital ha creado una infografía que recopila 10 frases sobre social media que resumen todas las claves que se necesitan saber para ser un as de las redes sociales.

Aunque hay algunas sentencias básicas (¿hay alguien que todavía no sepa que cada red social es diferente y que cada una tiene su propia audiencia específica?), hay otras que seguro que le ayudarán a hacer crecer su relevancia en el terreno social, como qué horas y días son mejores para publicar, o incluso aumentar su credibilidad.

Tampoco faltan los datos curiosos: ¿sabía que algunos de estos sitios se podrían considerar como potentes motores de búsqueda? Solo en Twitter los usuarios ya realizan más de 19.000 millones de búsquedas al mes.

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– See more at: http://www.marketingdirecto.com/actualidad/social-media-marketing/10-claves-le-convertiran-social-media-manager-perfecto/#sthash.Bh0SAMRt.dpuf

La mágica función del diseño

Entre el 23 y 25 de setiembre se realizará el Festival Internacional de Diseño (FID) en la sede del Colegio Médico del Perú.

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Silla de rollitos de totora diseñada por Ricardo Geldres, quien a través del colectivo de diseño Recurseo promueve el uso de materiales ecológicos, sostenibles y reciclados.

Imaginemos estos objetos: una silla con asiento acogedor y finas patas de metal; una mesa blanca, espaciosa y plegable; un sillón de formas circulares que se acomodan al contorno del cuerpo e invitan al descanso; y, al costado, una lámpara de altura regulable. La pantalla ovalada que se adapta tanto para la lectura como para iluminar una esquina de la sala de estar. En un cesto se abren como un abanico discos, libros y revistas. Y por la ventana de esta hipotética habitación pensemos una ciudad: el tráfico ordenado, las señales de tránsito claras, los bordes de los edificios que emergen como líneas dibujadas en el horizonte, entre las copas de los árboles y el cielo. Al fondo la tarde va desapareciendo y el crepúsculo refulge entre los enormes cristales de una esfera gigante que bien puede ser un coliseo, un centro de convenciones o un estadio. No estamos en Lima, pero podría ser. Podría. Esa ciudad inexistente no es un espejismo sino un reto, una demostración de lo que se puede lograr con el poder del diseño y sus múltiples aplicaciones —estéticas, formales, gráficas, funcionales— para mejorar y transformar eso que llamamos vida cotidiana.
El diseño en el mundo actual es una disciplina cada vez más compleja. Una actividad que es mucho más que una propuesta gráfica y que va de la ilustración y la moda hasta la construcción de marcas y contenidos; que pasa de la producción industrial de objetos utilitarios y de consumo a la funcionalidad de los espacios públicos. “Es una parte muy importante de la comunicación, de la vida, de la convivencia, y merece tener esa relevancia o reconocimiento como una herramienta que construye y genera desarrollo”, afirma Roni Heredia, director de Taller Cuatro, quien lleva más de 27 años en esta actividad. Él es presidente del comité organizador del Festival Internacional de Diseño (FID) que se realizará en Lima entre el 23 y 25 de setiembre. Una oportunidad única para poner en primer plano una profesión tan poco valorada como necesaria. Tan poco comprendida en la desordenada vida capitalina de estos tiempos.

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Sabor peruano
El diseño en el Perú todavía parece una actividad exótica o superficial. Aún estamos lejos de realidades como las de Brasil o Chile, donde esta disciplina está presente en calles y plazas. En la Lima de estos días, más allá de esfuerzos insulares y reducidos oasis, lo que prima es la contaminación visual, el desordenado crecimiento urbano, el tráfico insalvable y el desconocimiento —en nuestras autoridades— de normas básicas para generar calidad de vida, construir espacios funcionales y accesibles, y para elaborar propuestas urbanas coherentes con nuestra realidad, historia e identidad.
¿Existe alguna particularidad en el diseño peruano que lo diferencie de lo producido en otros lugares como Colombia, Brasil, Argentina o el mundo anglosajón? Le planteamos la pregunta a Heredia. “Pensando en términos gastronómicos, yo diría que nos diferencia la sazón”, responde el director de Taller Cuatro. “En el fondo usamos todos las mismas herramientas, los mismos códigos, pero el diseño aquí tiene un sabor peruano que a su vez es universal y se hace entendible en cualquier parte del mundo”. Heredia se refiere a esa estética que se ha ido perfilando en los últimos años hasta matizar la ciudad de colores fosforescentes y llamativos, de fucsias y amarillos encendidos, con mensajes que aluden al emprendimiento y la peruanidad, algo que se deriva de la estética chicha y popular de los años setenta y ochenta y que no solo se encuentra en afiches o anuncios publicitarios sino que también convive con nosotros en polos, grabados, billeteras o agendas.
“No sé si se ha dado un uso indebido de esta corriente gráfica, pero creo que esto se decantó solo”, dice. “Yo ya tengo muchos años haciendo diseño en el Perú y siempre creía que esta expresión popular en algún momento se iba a fusionar con un lenguaje común, con una propuesta visual peruana, y eso me parece extraordinario. Si te pones a pensar, esta gráfica no solo se ha decantado por un nivel visual sino también es una expresión cultural que se manifiesta en corrientes musicales. Hoy la cumbia tiene un protagonismo muchísimo mayor del que tenía hace 20 años. Eso es interesante”. “¿Esa es la sazón de la que hablabas?”, le preguntamos. “Sí, exactamente es parte de la sazón. Lo que te diferencia un poco de la propuesta global”, afirma.
Le comentamos que en el Perú todavía no está extendida la idea de que el diseño puede mejorar nuestro entorno, desde objetos tan utilitarios como una taza, unos audífonos, la banca del parque o los anuncios viales hasta el trazo de la ciudad, como sucede en otros lugares. “El diseño mejoraría muchísimo nuestra vida cotidiana porque puede plantear objetos que no solo son utilitarios sino cómodos, fáciles de agarrar, sumamente funcionales”, dice. “Es interesante porque estoy reflexionando en esto y pienso que, si retrocedemos al mundo precolombino, nos daremos cuenta de que el diseño estaba muy presente en la vida diaria. Si no lo crees, mira las vasijas, los telares, la cerámica o la arquitectura, todo tenía un sentido estético y un contenido práctico”.

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Agarrados del estribo
José Antonio “Goster” Mesones lleva más de 20 años como diseñador gráfico. Ha tenido diversos reconocimientos en nuestro país y el extranjero: fue nominado al Grammy Latino en el 2012 como mejor director de arte y diseño por la tapa del disco
“Ves lo quieres ver” de Bareto y fue el único peruano invitado como jurado en el One Show en Nueva York, uno de los concursos de diseño más importantes del mundo. Actualmente es director de Mago, uno de los estudios que organiza el próximo FID. A diferencia de Heredia, él considera que se ha abusado de la estética chicha. “Muchos se han colgado del estribo con facilismo”, argumenta. “Es una opción, pero creo que es difícil generar identidad con solo algunos elementos. Hoy las tendencias gráficas están más globalizadas que identificadas con un país. Tal vez en lugares como la India se pueda hablar de una estética distinta, pero aquí se agarran de tres elementos y no hay más. Pienso en alguien como Elliot Túpac, que no se ha colgado de nada, que es auténtico y honesto y ha innovado lo que había; pero otros se han colgado del póster chicha y no salen de ahí”.
“Entonces, ¿qué crees que identifica el diseño peruano?”, le volvemos a preguntar. “Hay una tendencia a sobrecargar los contenidos, a llenar espacios —dice—. Entiendo que no tenemos una identidad gráfica, ni siquiera tenemos una identidad, no sabemos quiénes somos. Nos hemos agarrado de la gastronomía como quien se coge de algo para sobrevivir”.

De qué hablábamos cuando… 
Es la primera vez que se organiza en Lima un Festival Internacional de Diseño. Se busca replicar, de esta manera, lo hecho en Costa Rica, donde, desde hace más de cinco años, se lleva adelante un festival que reúne en tres días muestras, charlas y talleres, y se ha convertido en uno de los acontecimientos más importantes de su tipo en la región.
En la versión peruana, las charlas serán solo de un día (el 24 de setiembre), mientras que los días restantes (el 23 y el 25) estarán dedicados a los talleres. También se exhibirá una exposición titulada “Identidad y pertenencia”, que es una muestra del diseño hecho en el Perú.
“Queremos abarcar todo el espectro de la manera más amplia posible y convertir a Lima en un punto de referencia para atraer también a profesionales de los países cercanos”, apunta Roni Heredia. Y “todo” significa muchas cosas: propuestas gráficas, ilustración, moda, arquitectura, creación de marcas, diseño de productos, intervenciones urbanas, gastronomía y, por supuesto, tecnología.  “Cuando formamos la Asociación de Estudios de Diseño (ADÑ) lo hicimos para que la gente valore esta profesión y sepa para qué sirve esta herramienta”, dice Goster. Luego cuenta: “Yo siempre hago la broma de que mi papá ni siquiera sabe a qué me dedico y hace 20 años que hago esto. Mi viejo piensa que sigo haciendo dibujitos y no hago dibujitos realmente; bueno, tal vez sí, pero no cuando estoy trabajando de verdad”, asegura entre risas.
“Todavía se piensa que el diseñador es solo un dibujante”, añade Heredia. “Gran parte del mercado vincula el diseño con un oficio, digamos, artesanal, que no logra una categoría de profesión seria. Es algo que aún no está metido en la cabeza de la gente”. El actual director creativo de Facebook, el coreano Ji Lee, es uno de los invitados al festival. Es conocido no solo por haber trabajado en Google, sino también por campañas tan mediáticas como The Bubble Project, realizada hace un tiempo en las calles de Nueva York. A Lee le molestaba tanto la contaminación visual de la ciudad que se propuso intervenir los avisos. Pegó encima de los anuncios globos de diálogos vacíos y a través de una página web alentó a la gente a llenarlos con mensajes. Tuvo más de cien mil seguidores, reportajes en los medios, y se convirtió en uno de los diseñadores más requeridos por las propias agencias de publicidad que antes lo habían denunciado por malograr sus campañas. Cuando en enero del 2014 le pidieron describir su profesión, Lee dijo: “Hoy siento que soy un diseñador de comunicación, un artista, un cineasta, un creador de juegos. Soy muchas cosas distintas. Y siempre pienso ¿cuál es la diferencia entre diseño y arte? Creo que el diseño resuelve un problema específico. Si el cliente es un restaurante, una empresa naviera o un fabricante de muebles, mi tarea como diseñador es ayudar a la compañía a que su comunicación sea clara y efectiva. En cambio el arte no resuelve problemas, uno se expresa a través de él”.
Leemos parte de esta cita y Goster comenta: “El diseño también puede estimular al igual que el arte, pero nosotros somos finalmente canalizadores de cosas, estamos comunicando objetivos. Un diseño tiene que ser a la vez estético y funcional para que sea interesante”.
“Lo que nos falta —interviene Heredia— es educar gráficamente no solo a los consumidores sino también a ciertos clientes que te contratan y no entienden lo que les propones porque ellos mismos no saben lo que quieren. En algunos casos el nivel es ínfimo. Por ejemplo, te ponen la foto de un político sin manos y el mensaje es ‘a mí nadie me rompe la mano’. Cosas de este tipo nos distancian de esa sensibilidad visual que necesitamos”. Heredia dirá luego que eso de confundir el diseño con una profesión elitista es más una consecuencia de una sociedad con escasa información o muy poca sensibilidad visual. “Aquí cualquier expresión artística es elitista porque lo que gobierna es el desconocimiento”, explica.

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El alma y la tecnología
“Mete tu alma en lo que haces, introduce tu subjetividad en el diseño que estás haciendo, elimina las máquinas todo lo que puedas y devuelve el lado humano a tu trabajo”, recomienda Stefan Sagmeister, diseñador gráfico nacido en Austria en 1962. La frase figura en la página oficial de Facebook del FID Perú 2015.
“¿Cuánto importa la tecnología?”, le preguntamos a Goster. “Yo siempre he comentado —responde el director de Mago— que antes enseñaban software de diseño y te decían ‘aquí te enseñamos diseño por computadora’. ¿Cómo es eso? Es como si te enseñaran a escribir por Word. La computadora es solo una herramienta, como el lápiz o la mano. El diseño es un proceso mental, intelectual, antes que un proceso tecnológico”.
Por eso un acontecimiento como el FID Perú sirve para pensar también en esa ciudad que queremos, en esa urbe ya no imaginaria sino real donde es posible canalizar propuestas, ideas y proyectos para mejorar lo que nos rodea. Planes como los de los arquitectos de 51-1 —también invitados al festival— que buscan hacerse oír para recuperar espacios de Lima como la otrora zona industrial. La función del diseño está ahí, en mejorar y hacer más funcional, cómoda y llevadera la vida que nos toca. La vida de todos.

Figuras peruanas y extranjeras
El FID Perú 2015 trae a Lima como conferencistas a cinco figuras mundiales del diseño. Uno de ellos es Ji Lee, director creativo de Facebook, que antes ha pasado por firmas tan importantes como Saatchi & Saatchi y el gigante Google. Otro es Joshua Davis, artista digital y programador norteamericano que impone su estilo en marcas y productos que van desde tablas de surf hasta audífonos, y es uno de los impulsores del arte generativo. También viene Marina Willer, socia del estudio londinense Pentagram, uno de los más importantes del mundo. Ella rediseña la tienda de la marca Melissa en Sao Paulo, Brasil. Luego está la diseñadora de modas Michelle Lesniak, conocida por ganar la edición 11 del Project Runway, el reality conducido por la supermodelo Heidi Klum. El grupo se completa con Rhys Thom, de Ideo, un experto en diseño organizacional que ha trabajado en lugares tan complicados como Namibia o Nigeria.
Del lado peruano estarán el chef Pedro Miguel Schiaffino, creador de propuestas innovadoras que unen gastronomía, investigación y rescate de productos nativos; y Miguel de Rivero, del equipo de arquitectos de 51-1, catalogado por la revista inglesa Icon como una de las 20 firmas de arquitectura que cambiarán el futuro. Y ellos ya lo están haciendo. Acaban de inaugurar el pasado 2 de setiembre la extensión del Museo de Arte Moderno de Medellín.
Las conferencias serán el 24 de setiembre de 8:00 a 18:00 en el auditorio del Colegio Médico del Perú (Av. 28 de Julio 776, Miraflores). Entradas en Teleticket.

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El Comercio

Aaron Swartz, el chico perseguido por hacer magia

Programar era la magia que Aaron Swartz aprendió a hacer y por la que se fascinaría durante su corta vida, también por la que sería perseguido. Esta es una brevísima historia de lo que hizo y el peso del poder que se abalanzó contra él.

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Aaron demostró, desde muy temprana edad, no ser un chico normal; de hecho, ser uno muy peculiar, único y genio. Su curiosidad e inteligencia lo llevarían a destacarse del resto de los chicos, vivir una vida distinta, crear cosas sobresalientes; es más, pocas personas en su vida profesional logran involucrarse en proyectos con tanta relevancia en el mundo actual. Sin embargo, esto mismo le costó ser un chico solitario, incomprendido, incluso incómodo y, por tanto, su existencia estaría marcada por largos periodos de aislamiento, con diarios personales que hablaban de su soledad, así como notas suicidas desde mucho antes que llevara a cabo el acto de quitarse la vida.

Al hablar de Aaron Swartz siempre habrá tres constantes: siempre fue muy joven para todo lo que hizo, claro, incluso para morir; también que su sensibilidad rebasó su genio y por tanto se dio en cara con muchas de las estructuras existentes en este mundo; y por último, que él remite a una etapa del Internet que nunca volverá a ser el mismo.

26 años

El 11 de enero de 2013 se enteraba el mundo de la muerte de Aaron Swartz. Se le describía como un programador y desarrollador que había tenido problemas legales, por los cuales pendían acusaciones que habrían podido acarrearle hasta 50 años de prisión. La atención de propios ajenos se posaron en la noticia, en el joven prodigio que se vio orillado a quitarse la vida por la presión de las acusaciones, por la condena que podía alcanzar de no ganar el juicio; pero también desató una ola de opiniones y acusaciones a aquellas instituciones demandantes, así como al gobierno por su desmedida persecución de un delito que, bien visto, parecía algo menor y más bien atendía a cuestiones políticas que no valen la vida de ningún chico.

“La gente en el gobierno no entiende lo que es Internet.”

Así mismo, la muerte de Aaron Swartz evidenció, una vez más, el peso de la transición generacional en una era donde los nativos digitales innovan y las viejas estructuras aún están en el poder. Y esto es uno de los puntos importantes en la historia, puesto que, de comprender de qué va la cultura del Internet, su composición, las personas que están detrás, que las regulaciones deben ir alcanzando a la innovación de una forma flexible y no destructiva, cerrada; representa la salud de esa cultura, de las empresas, servicios y plataformas que antes no existían pero que deben, y es inevitable, que existan. Pero esto no fue así entonces y aún parece estar lejos esa etapa.

¿Wikipedia y Change.org?

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Aaron Swartz tuvo la fortuna de nacer en una familia que lo comprendió desde siempre, y supo distinguir, que debía ser tratado de forma especial porque fue un niño tal que comenzó a leer a los 3 años por su cuenta y a programar desde antes de alcanzar los 10. Su padre, Robert, es fundador de una compañía de software, así que en su casa había los recursos materiales y la motivación para realizar “la magia”. Esa magia que es programar y hacer que las cosas que quieres que pasen, pasen como quieres. Esa magia que sorprendería al propio Aaron y a sus hermanos, que lo acercaría al Internet en esas primeras etapas en las que todo se construía a penas.

Así fue como Aaron realizó la idea y las primeras bases de una especie de Wikipedia que buscaba la participación de las personas para enriquecer los artículos. Esta idea fue rechazada por un maestro de Aaron y quedó en el olvido en una computadora del sótano de la casa de los Swartz. La misma suerte corrió watchdog.net, una plataforma pensada por Aaron con características similares a las de Change.org. Con esto podemos comprender dos cosas, que Aaron Swartz fue de esas mentes que entendieron el alcance de la cultura del Internet, que sus límites mentales en el hacer “la magia” estaba muy lejos o no existía; y que, como siempre, no se trata solo de tener una gran idea para crear algo, sino que será la perseverancia y la acción lo que hace la diferencia.

Dieta blanca

Larry Lessig y Aaron Swartz

No blanda, sino blanca. Los amigos y conocidos de Aaron Swartz han comentado en varias ocasiones el impacto de conocer a ese niño genio en persona, de verlo involucrado en proyectos tan importantes desde los 14 años:fue coautor de las especificaciones RSS, se convirtió en un miembro de la W3C, RDF Core Working Group. Codiseñó el formato del lenguaje Markdown, con John Gruber, mismo que en el que está hecho este artículo, por ejemplo.Ayudó a diseñar el código de las licencias Creative Commons, desarrolló la arquitectura del sistema de Open Library. Más tarde fundó Infogami, una empresa que se fusionó con Reddit y que luego sería adquirida por Condé Nast. Así mismo, fue una importante voz y pieza moral en el veto de la iniciativa de ley SOPA.

Durante todas estas actividades, y tal como dijimos al principio: a muy temprana edad, Aaron sorprendía por involucrarse en tantos proyectos que hoy son parte de la vida cotidiana de muchos e importantísimos para la cultura del Internet; también sorprendía porque lo veían comer siempre cosas que fueran blancas o de color muy claro, pan, yogurt, gelatinas, etc. Esto, a parte de ser una excentricidad, se debía a que Aaron sufriá, también a temprana edad, de colitis ulcerosa. Incluso, se relaciona esta enfermedad con sus largos episodios de depresión.

JSTOR

En el documental The Internet’s Own Boy: The Story of Aaron Swartz se cuenta a detalle el problema legal que acorralaría a este chico, y por el cual se le podía condenar a 50 años de prisión, además de una multa de 4 millones de dólares. Al principio se le presentaron cuatro cargos, pero más tarde se le sumaron otros nueve, es decir, un total de trece acusaciones. Esto demostró la persecución desmedida y focalizada en dejar un “precedente” con el caso de Aaron.

“Aaron muerto. Vagabundos del mundo, hemos perdido a un sabio. Hackers que luchan por lo correcto, hemos perdido a uno. Padres, hemos perdido un hijo. Lloremos.” – Tim Berners Lee

Lo que hizo Aaron fue descargar de JSTOR, la conocida biblioteca digital en donde se albergan publicaciones científicas y académicas, cientos de artículos. Lo hizo a través de un servidor del MIT y esto le costaría esas penalizaciones mencionadas. En primer lugar, Aaron ya tenía un antecedente en estos temas; años antes, en 2008 realizó un script que realizaba descargas sistematizadas de la base de datos PACER (Public Access to Court Electronic Records), atendiendo el llamado del Carl Malamud de liberar esa información que se encuentra restringida, pero que era de libre descarga en 17 bibliotecas públicas. Aaron descargó el 20% del archivo de PACER y aunque lo que hizo no estaba “prohibido” tampoco estaba en los planes de las regulaciones gubernamentales de esta información.

Con este hecho, Aaron se ganó el antecedente atroz que le generaría tantos problemas cuando quiso hacer lo mismo con JSTOR, aunque de esto último no se tiene certeza, no se sabe a ciencia cierta con qué intención Aaron descargó todos esos artículos. De hecho, la forma en que lo hizo parecedespreocupada hasta cierto punto, pues dejó su computadora en el MIT conectada e iba constantemente a verificar que siguiera en acción. Es esto mismo lo que acusa a las autoridades de un intento por atraparlo y agravar su situación legal, en primer lugar porque descubrieron la computadora y antes que desconectarla decidieron poner cámaras para evidenciar a Aaron. Por otro lado, el MIT ha sido duramente criticado por su posición “neutral” ante este caso, a pesar de ser sabida su tradición de romper reglas, la cual promueve e identifica a dicha institución. Así mismo pesa la posición de JSTOR por su pasividad y mantenerse al margen en el claro abuso de poder contra Aaron.

“Una imposición”

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El caso de Aaron Swartz ha sido analizado a fondo una y otra vez, las culpas se disparan a todos lados, a la fiscal, a la familia, a las instituciones, a sus parejas, en fin. Pero, sin duda, eso no cambia el hecho de que orilló a ese chico genio que decía “sentir su existencia como una imposición en el mundo” a acabar con su vida. Tal vez ese problema legal fue la catapulta para él para ese último acto, o la suma nefasta con esta persecución encarnizada por un delito menor a la serie de problemas en su personalidad y su frágil estabilidad emocional que siempre se vio comprometida por la vida cotidiana, por la realidad aplastante para los seres sensibles y visionarios que generalmente no encuentran su lugar en el mundo. De cualquier forma no hay justificación moral para la avanzada aplastante contra Aaron y la inacción de las instituciones que podrían haber detenido el final de este chico.

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Raw Color diseña la identidad visual para la STRP Bienal

El trabajo de Raw Color refleja un sofisticado y ecléctico mix en el tratamiento de materiales y colores, ejercicios casi empíricos que aplican a los campos del diseño gráfico y la fotografía. Esto se materializa a través de investigaciones y experimentos, con la construcción de un lenguaje visual muy singular. Esa fusión es la que han reflejado en la identidad visual de la Bienal STRP.

Raw Color diseña la identidad visual para la STRP Bienal
Daniera ter Haar & Christoph Brach son los fundadores de Raw Color, estudio ubicado en Eindhoven, Holanda. Su singular visión del diseño queda de manifiesto en la identidad de la STRP Bienal. Un certamen de formato muy similar al SONAR en España, que cada dos años reúne el arte, la tecnología y la cultura pop más experimental para conectarlos con una amplia audiencia interesada en el arte interactivo, la robótica, las performances, las música experimental, el light art y el cine.

A través de exposiciones, conferencias y talleres, la STRP Bienal ofrece una visión de un futuro próximo, y a veces distante, de la cultura impulsada por la tecnología.
Raw Color diseña la identidad visual para la STRP Bienal

La identidad gráfica creada por Raw Color contiene elementos que conectan con las características visuales propias del arte digital, tales como la programación y codificación, y ofrece una similitud con los colores RGB y la tipografía monoespaciada. Ambos elementos se fusionan en un módulo que permite generar imágenes con estos ingredientes, como una reminiscencia del arte ASCII.
Raw Color diseña la identidad visual para la STRP Bienal

Las fotografías sirven como una columna vertebral reconocible de la identidad. Con este carácter flexible y dinámico se aplica la identidad a través de los diferentes soportes tales como carteles, folletos, flyers, acreditaciones y demás material de impresión, además del diseño web y las animaciones.
Raw Color diseña la identidad visual para la STRP Bienal

Los códigos ASCII representan el texto que se utilizaba el mundo de la informática en la era de la codificación, con códigos que eran más comunes en el World Wide Web hasta 2007. Un juego visual que quiere mostrar las limitaciones tecnológicas del pasado al tiempo que hace referencia a las características visuales del trabajo digital actual, como la programación y codificación.

rawcolor.nl

Raw Color diseña la identidad visual para la STRP Bienal

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Las pinturas hechas con luz de Pablo Picasso

Date taken: 1949

Description: Artist Pablo Picasso, in darkened room, creating drawing using light pen.

City: Vallauris
Country: France

cr: Gjon Mili/Time & Life Pictures/Getty Images

OWNED

Date taken: 1949 Description: Artist Pablo Picasso, in darkened room, creating drawing using light pen. City: Vallauris Country: France cr: Gjon Mili/Time & Life Pictures/Getty Images OWNED

La fama y reconocimiento de Pablo Picasso como uno de los artistas más importantes del siglo XX es innegable. El artista español que llevaba por nombre completo: Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los Remedios Cipriano de la Santísima Trinidad Ruiz y Picasso, fue muy prolífico durante su larga vida. Su obra no sólo es pictórica, sino que abarca otras áreas de las artes plásticas como la escultura, cerámica, grabado; también escribía y realizó escenografías. Se estima que sus piezas ascienden a la friolera cantidad de 50 mil, entre las que son 1,885 pinturas, 1,228 esculturas, 2,880 cerámicas y, al menos 12 mil dibujos.

De estas sesiones se desprenden al menos 30 fotografías de Picasso “pintando con luz”

Para 1949, Picasso vivía en Francia y fue visitado por el fotógrafo de la revista LIFE, Gjon Mili. En su visita, éste le platicó a Picasso sobre una técnica con la que se podía “pintar con luz”, hicieron una sesión y, el resultado fue tal, que Picasso accedió a realizar al menos otras cinco sesiones más. El proceso de las pinturas con luz en realidad encierra una comprensión muy sencilla del proceso de la fotografía, un cuarto con poca luz, y lo que siempre hace la diferencia: mucha creatividad.

Gjon Mili utilizó en sus sesiones dos cámaras fotográficas, una de ellas captaba de frente los trazos del gran artista español, mientras la otra fotografiaba por un lado el cuerpo de Picasso. De estas sesiones se desprende la siguiente galería,algunas de las cuales fueron expuestas en 1950 en el Museo de Arte Moderno de la ciudad de Nueva York. En dichas pinturas con luz podemos ver icónicas figuras del artista, como toros y cuerpos, sin embargo, resulta divertido pensar que nada de lo que él dibujaba podía verse en ese momento y que había que esperar un tiempo considerable para ver los resultados.

Cabe mencionar que el fotógrafo Gjon Mili capturó en muchas ocasiones al artista en su estudio de Francia, sus obras, su vida cotidiana; en ese momentoPicasso tenía 68 años y ya era muy reconocido desde entonces por su arte. Las fotografías de Mili valen mucho la pena. ¿Qué te parecen entonces, estas pinturas con luz del maestro Picasso?